El discurso del rey (The king's speech)

Es una cosa curiosa lo que pasa con esta cinta, cuando lees la sinopsis, pudiera parecer una película biográfica más, ambientada en la época de la segunda guerra mundial en Inglaterra y sobre todo pareciera una cinta aburrida.

Pues resulta una agradable sorpresa encontrarse con El discurso del rey, Tom Hooper (The Damned United, 2009) apoyado en una narrativa magistral, logra adentrarnos en una historia por todos conocida, todo lo que se pueda leer en la crítica, esta cinta se lo merece.

Colin Firth (A single Man, 2009) es el Príncipe Alberto, Duque de York, segundo en la línea de sucesión al trono de Inglaterra, conocido por su familia y amigos como  Bertie y conocido también por un gran defecto, es tartamudo, lo que le impide dirigirse a las grandes audiencias y le da una apariencia de hombre temeroso y débil, el primero en la línea para ser rey, es su hermano el príncipe Edward (Guy Pearce, The hurt locker 2010) que tiene todo, aparentemente, para ser rey, de hecho, con la muerte de su padre, sube al trono y se convierte en Enrique VIII, solo para abdicar tiempo después, ya que se enamora de una norteamericana divorciada y pretende casarse con ella, algo prohibido por la iglesia y la realeza inglesa, al suceder esto, Bertie, el hombre que nadie consideraba para ser rey, se convierte en la opción para Inglaterra.

Bertie cuenta con el apoyo incondicional de su esposa, interpretada de manera excepcional por Helena Bonham Carter (El club de la pelea, 1999), es ella quien lo pone en las manos de Lionel Louge (Geoffrey Rush, Letras Prohibidas 2002), un terapeuta de lenguaje con métodos poco ortodoxos, pero que al parecer puede ser la solución al tartamudeo del incipiente rey, obviamente trabajaran bajo mucha presión, ya que por la inminente entrada de Inglaterra a la segunda guerra mundial, el pueblo espera un discurso de su nuevo rey Jorge VI, que ayude a la unidad inglesa y a dar esperanza ante una Alemania guiada por Hitler que desea el control total de Europa.

Lo verdaderamente bueno de esta cinta es el cómo nos cuenta la historia, apoyada por dos monstruos de la actuación como son Firth y Rush, todas sus escenas son memorables, es un placer verlos trabajar juntos, la dirección de cámaras es excelente, los close up al príncipe cuando trata de articular palabras que se quedan trabadas en su garganta nos lleva a sentir angustia por el personaje, Firth realmente transmite la frustración de su personaje por no poder decir las cosas de la manera en la que quisiera.

Es una cinta que no necesito de un gran presupuesto, de representar la escena de la coronación o de los bombardeos alemanes, vamos, no siquiera tiene muchas locaciones, pero con un guion excelente, una gran dirección y apoyada por sus actores, realmente logra transportarnos a la Inglaterra de 1930 y a la historia de un hombre que logro encontrar el coraje para vencer sus miedos y dirigir a una nación necesitada de liderazgo y esperanza.

Para cerrar, así como les dije que Natalie Portman es el Oscar a mejor actriz y que Temple de Acero es el Oscar a mejor fotografía, bueno, pues El discurso del rey es el Oscar a mejor película y Colin Firth se hará acreedor a la estatuilla por mejor actor, pueden apostarlo.

Título original: The King's Speech 

País: GBR / AUS / EUA

Año: 2010

Director: Tom Hooper 

Actores: Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bohnam Carter

Duración: 118 minutos

Fecha de Estreno: 18 de febrero

Calificación: 10

El Peleador (The Fighter)

Algo tienen las historias de boxeadores con el cine, la mayoría de las veces salen bien libradas en la crítica y en la taquilla, basta recordar el éxito de Rocky en 1976 (ganadora de 3 Oscares: mejor película, mejor Director y mejor montaje), Toro Salvaje de Martin Scorsese o más recientemente Million Dollar Baby de Clint Eastwood ganadora de 4 estatuillas (mejor director, mejor película, mejor actor y mejor actriz), al parecer la historia mil veces contada del perdedor que encuentra su fuerza interior (de donde quiera que esta venga) y logra sobreponerse a todas las adversidades para triunfar en una vida que lo ha tundido con golpes más dolorosos que los de su profesión, es una formula inagotable.

Pues bien, El Peleador no es la excepción, es una cinta que te muestra con crudeza, como una persona con una carrera exitosa y prometedora puede perderse en el camino y de qué manera puede influir en el entorno familiar, sociológico y cultural en la vida de los que lo rodean.

En el peleador, David O. Russel nos cuenta la historia de Micky “El Irlandés” Ward (Mark Wahlberg, Los Infiltrados), un boxeador de la época de los 80’s (es una historia verídica) con mucho talento y sobre todo, mucho corazón pero que tiene un gran defecto, es entrenado por su medio hermano Dicky Ecklund (Christian Bale, The Dark Nigth), un ex boxeador adicto al crack que, en sus buenos tiempos logro llegar a disputar el campeonato mundial contra Sugar Ray Robinson é incluso logró mandarlo a la lona en una ocasión pero en la actualidad, se la vive drogado, no llega a los entrenamientos y le ocasiona más problemas que beneficios a su medio hermano, como si todo esto no fuera suficiente, Micky tiene que cargar con su madre, que es poco menos que un dolor de muelas, con dos matrimonios, seis hijas y un amor enfermizo por Dicky, Alice Ward (Melissa Leo, 21 Gramos) es aparte de esto, la representante de Micky.

La relación comienza a fracturarse cuando entre su madre y su hermano, hacen pelear a Micky contra un boxeador de una categoría superior con resultados desastrosos, al final de la pelea, un promotor se acerca a Micky y le ofrece una última oportunidad con una condición: no quiere en el staff de Micky a su hermano lo que pone a Mickey en la disyuntiva de aceptar e ir por su sueño o dejar a su hermano que le ha dado todo (o por lo menos así lo cree el), justo en este punto entra en escena Charlene Fleming (Amy Adams, Atrápame si puedes) una bar tender que realmente se enamora de Micky y se cansa de verlo desperdiciar oportunidades a la sombra de su hermano y su madre.

La cinta es muy buena, de una manufactura impecable, pero lo que realmente es admirable en esta cinta, es la actuación de Christian Bale, al igual que en “El Maquinista”, Bale utiliza su cuerpo como parte de la interpretación y pierde más de 20 kilos para lograr esa imagen demacrada y enferma que luce en pantalla, es impresionante como logra hablar igual que el Dick Ecklund original e incluso parecerse físicamente, obviamente su personaje es mucho más complejo que lograr el parecido físico, pero se los digo de una vez, el papel esta tan bien logrado, que el Oscar a mejor actor de reparto ya tiene su nombre escrito en él; también merece una mención el extraordinario trabajo de Melissa Leo como la madre de Micky y Dicky, realmente la llegas a odiar en su papel y logra escenas memorables en la cinta.

Al final, El Peleador en una buena cinta, cargada de fuerza y sentimiento, que logra su propósito final, convencernos de que no importa todo lo malo que nos haya pasado, siempre podremos empezar de nuevo, si se pone el corazón en lo que se hace.

Título original: The Fighter

País: EUA
Año: 2010
Director: David O. Russell
Actores: Mark Wahlberg, Christian Bale, Melissa Leo
Duración: 114 minutos
Fecha de estreno: 11 de febrero 2011
Calificación: 8.5

Temple de Acero (True Grit)



Un Western en estado puro, así podríamos definir lo que nos entregan los hermanos Ethan y Joel Coen, que escriben y dirigen una historia clásica del cine norteamericano de los sesentas (es un remake de una cinta de 1969), que retoman, dándole un enfoque distinto a la original y convirtiéndola en una cinta tan buena, que ha logrado el reconocimiento de la crítica especializada (está nominada a los Globos de Oro, los BAFTA y los Oscares como mejor película) y mejor aun, del publico en la taquilla internacional.

Comencemos por definir el género del western, como una película en la que el personaje principal, regido por su propio código de ética, tiene que hacer lo que tiene que hacer, es decir, si hay que cobrar venganza, la cobra, si hay que matar a alguien, lo mata, siempre con una razón y regido por sus propias convicciones, no hay que confundirnos, un western, no necesariamente tiene que ser de vaqueros, un ejemplo de este género puede ser otra película de los hermanos Coen: Sin lugar para los débiles (No country for old man, 2007), ambientado en la época actual y acerca de un Sheriff de los Estados Unidos que ha llegado a la tercera edad y al que los nuevos tiempos lo han rebasado.

En esta versión de Temple de Acero, los hermanos Coen nos presentan la historia de la pequeña Mattie Ross (Hailee Steinfeld, un gran descubrimiento de los hermanos Coen), una niña de 14 años que está empeñada en encontrar al asesino de su padre, y nos deja muy en  claro sus intenciones, no quiere que lo maten, quiere que lo juzguen para que eventualmente lo cuelguen, pero quiere que sepa que lo están ejecutando por el asesinato de su padre.

Para llevar a cabo esta tarea, contrata a Rooster Cogburn (Jeff Bridges), un Marshall al servicio de los Estado Unidos que se contrata como caza recompensas, es un borracho y esta viejo, pero tiene el reconocimiento de la gente como uno de los mejores en su oficio, rudo y de gatillo fácil, es el mejor hombre que Mattie puede contratar y además acepta llevarla con él para comprobar que cumplirá con su trabajo.

En el camino se encuentran con LaBouef, un soberbio ranger de Texas magistralmente interpretado por Matt Damon, que ha venido siguiendo desde Texas a Tom Chaney (Josh Brolin), que aparte de haber asesinado al padre de Mattie, es perseguido por asesinar a un senador, esto complica los planes de Mattie, ya que no quiere que Chaney sea ejecutado por otro crimen que no sea el de su padre.

Esta no es una de esas películas en las que los personajes tendrán una epifanía en la que se arrepentirán de la vida que han llevado y adoptarán a la niña huérfana para irse a vivir todos a una granja a cultivar maíz hasta que sean viejos, no señor, los hermanos Coen nos traen una cinta real, con personajes de carne y hueso, una cinta que da gusto ver, una cinta como se hacían antes, sin efectos especiales y secuencias en 3D, con un  gran guión y con actores de verdad, una fotografía que seguramente se llevara el Oscar en ese apartado, Temple de Acero es, por decir lo menos, un verdadero trabajo artístico.

Título original: True Grit
País: EUA
Año: 2010
Directores: Ethan y Joel Coen
Actores: Jeff Bridges, Matt Damon
Duración:110 min
Fecha de Estreno:4 de febrero 2011
Calificación: 9.0 

El Cisne Negro (Black Swan)

Hasta donde es capaz el ser humano de llegar, por seguir haciendo lo que da sentido a su vida?

Darren Aronofsky se lo ha preguntado varias veces, la anterior, en la cinta El Luchador (The Wrestler, 2008) contándonos la historia del otrora ídolo del ring Randy “The Ram” Robinson (Mickey Rourke; Los Indestructibles, Iron Man 2), en la que nos muestra el patio trasero del mundo de la lucha libre norteamericana y la vida después de la fama y la fortuna, en ella, Randy prefiere vivir con la posibilidad de morir en el ring, que alejarse de lo que da sentido a su vida.

En El Cisne Negro, Aronofsky explota otra cara de la misma pregunta, ¿hasta dónde eres capaz de llegar por convertirte en lo que has soñado toda tu vida?, nos cuenta la historia de Nina Sayers (Natalie Portman; V de Venganza, Closer) una frágil integrante del cuerpo de ballet de Nueva York, que ante la salida de Beth, la estrella principal (una neurótica Winona Rider), tiene la oportunidad que ha esperado toda su vida, convertirse en la bailarina principal de la compañía, para ser lanzada en una nueva interpretación de el lago de los cisnes de Tchaikovski en el papel de Odette, esto podría ser una especie de cuento de hadas para cualquiera, pero uno de los aciertos de Aronofsky es mostrarnos que el mundo del ballet profesional puede ser mucho más rudo y cruel que el de la lucha libre.

Es aquí que Nina se encuentra con el drama que le da sentido a la cinta, ella es perfecta para encarnar a Odette, el cisne blanco, con su inocencia y fragilidad sin mancha, pero podrá transformarse en su alter ego, el cisne negro, sensual, seductor y cruel para poder convencer a la audiencia, ¿cómo lograr transmitir esos sentimientos si ella misma no los ha experimentado?
De la mano de Thomas Leroy (Vincent Cassel, Pacto con lobos) el director del ballet de Nueva York, Nina comienza a explorar su lado obscuro, pero también comienza a sentir en carne propia la envidia y la traición de sus “compañeras” en el cuerpo de baile, entre ellas Lily (Mila Kunis), con la que protagoniza una escena lésbica que eleva la temperatura en la sala, aunque gracias al hábil manejo narrativo de Aronofsky nunca sabes si todo lo que sucede entre ellas es real o solo es parte la esquizofrénica mente de Nina.

Es así que El Cisne Negro se convierte en un thriller psicológico – erótico, que literalmente arrolla al espectador con un tanque emocional que explora lo más profundo de la conciencia del ser humano, sus deseos, sus miedos, sus traumas, apoyado en una actuación de Natalie Portman que se convertirá en objeto de culto por la intensidad de la misma y el nivel de madurez que muestra (por cierto, el Oscar ya tiene grabado su nombre).

Para cerrar, si hay una mejor cinta que El Cine Negro compitiendo por el Oscar de este año, yo todavía no la he visto, vayan a verla y me cuentan, yo me quedo con el comentario de Peter Travers “No van a saber ni que les pegó”

Título original: Black Swan
País: EUA
Año: 2010
Director: Darren Aronofsky
Actores: Natalie Portman, Mila Kunis
Duración: 108 minutos
Fecha de Estreno: 28 de enero
Calificacion: 9.5



Somewhere (En un rincón del corazón)

La película comienza con una secuencia en cámara fija en la que se observa un Ferrari color negro dar vueltas alrededor de un ovalo de arena en medio de la nada, después de algunas vueltas, el Ferrari se detiene y de su interior sale un hombre de mediana edad, que parece preguntarse: ¿En dónde estoy? y sobre todo ¿Quién soy?

El hombre en cuestión es Johnny Marco (Stephen Dorff, Enemigos públicos 2009), un exitoso actor de Hollywood, en plenitud de su fama, con una vida llena de lujo, diversión, vanidad, asediado por mujeres día y noche, una vida aparentemente de ensueño.

Pero paralelo a esto vemos a un Johnny Marco con una vida vacía, siente que no pertenece a ningún lugar (tal vez por esto el titulo de la película), que a pesar de las muchas mujeres que pasan por su dormitorio no tiene una compañera de vida y está realmente solo, esta situación se agudiza en el momento que es obligado a cuidar unos días de su hija Cleo (Elle Fanning, hermana de Dakota), al convivir con ella se da cuenta del tiempo que ha perdido por no estar a su lado.

Bajo esta premisa Sofía Coppola nos entrega una cinta intima, en la que repite muchas secuencias de Perdidos en Tokio (Lost in translation, 2003), las conversaciones en la cama, la diferencia de edades y sobre todo, la visión nostálgica de la directora, a través de secuencias largas y de cámara fija, nos muestra la monotonía y el vacio en la vida del actor y las consecuencias en su hija, es una cinta que de nuevo explora los lazos rotos en las relaciones interpersonales, cosa que Sofía sabe hacer muy bien, es una cinta con muy pocos diálogos, con un manejo extraño, en el que factores que parecen determinantes no llegan a nada y pequeños detalles se convierten en el centro de la película.

La música de la cinta es excelente, con una combinación entre música instrumental y una selección contemporánea, va de la mano con lo que se ve en pantalla, completando el rompecabezas para mostrarnos una historia sencilla, pero con un fondo muy complejo.

Al final, Somewhere se convierte en una cinta que no es tan fácil de entender a la primera, Sofía Coppola desafía al público actual al proponer un ritmo muy lento, de secuencias fijas, para contar una historia intima, que se siente por momentos autobiográfica, pareciera que cuando Cleo está buscando a su padre, es la misma Sofía la que trata de encontrarlo a través de esta cinta, creo que ahí radica su valor.

Título original: Somewhere (En un rincón del corazón)

País: EUA

Año: 2010

Director: Sofia Coppola (Lost in translation, 2003)

Actores: Stephen Dorff, Elle Fanning

Duración: 97 minutos

Fecha de Estreno: 14 de Enero

Calificación: 8.5



Tron: Legacy (El legado)

Visualmente impresionante, con un diseño de arte sorprendente y un excelente manejo de la tecnología CGI (Computer Generated Image), que ha llegado a una madurez que podría poner a temblar a los actores, TRON: Legacy es… como decirlo? El protector de pantalla más impresionante que se haya hecho en la historia de las computadoras.

Es la secuela de una película filmada en 1982 por Walt Disney Studios, acerca de un exitoso programador Kevin Flynn (Jeff Bridges, Crazy Heart y próximamente True Grit), que al entrar en su propio programa, en una especie de mundo paralelo (recordemos The Matrix) es traicionado por su creación, un programa llamado C.L.U. que toma el control de este mundo cibernético y encierra a Flynn dentro de su propia creación.

20 años después (en la cinta, realmente son 28) el socio de Flynn, Alan Bradley (Bruce Boxleitner, el Tron de la película original) visita a Sam Flynn (Garret Hedlund, Troy) para decirle que recibió un mensaje de su padre, de un numero desconectado hace 20 años, la curiosidad lleva al joven Flynn a investigar y descubrir el laboratorio secreto de su padre y por supuesto, a entrar en la red, el universo cibernético creado por su padre.

A partir de aquí, todo es obvio y gratuito, Flynn Jr. luchando hombro con hombro con Flynn Sr. van en contra del alter ego C.LU. para restaurar el orden en el universo paralelo, la chica (Olivia Wilde, mejor conocida como la Dra. Remy de la serie Dr. House) que esconde el secreto por el que Flynn Sr. tanto ha luchado y la carrera contra reloj para poder salir de la red.

Secuencias de acción y luz van y vienen, pero al parecer Disney no mira hacia atrás para aprender de sus propios errores, la versión de 1982 fue atacada por la critica por ser un espectáculo visual muy avanzado, con un contenido muy pobre, 28 años después, lo volvieron a hacer, una historia básica (por decirlo amablemente) con tremendos huecos en su desarrollo y construida por frases trilladas, en pocas palabras, no tiene nada.

Aunque no todo es malo en TRON: Legacy, la dirección de Joseph Kosinski logró crear un ambiente virtual impresionante, las ciudades, las motocicletas de luz, las naves, todo es impresionante, su diseño te remite a un futuro creado por la inteligencia artificial, el trabajo del francés Daft Punk en la musicalización de la cinta es impecable, en cada secuencia la música va de la mano con lo mostrado en pantalla, lamentablemente no le alcanza para mantener el ritmo de la cinta.

Tal vez sea por esto que en taquilla a Tron no le ha ido nada bien, a pesar de llevarles una semana de ventaja, va por debajo de “Los pequeños Fockers” y todavía más sorprendente, de “True Grit” un filme independiente de los hermanos Cohen protagonizado por el mismo Jeff Bridges, ni hablamos de la taquilla mundial, donde ha caído hasta el sexto puesto, humillante para una película considerada blockbuster.

En fin, TRON: Legacy es una película palomera, sin historia, sin guión, eso sí con efectos especiales impresionantes y un soundtrack envidiable, pero que al salir del cine no les durará más de 2 horas en la memoria.

Título original: TRON: Legacy

País: EUA

Año: 2010

Director: Joseph Kosinski (Ópera prima)

Actores: Jeff Bridges, Garrett Hedlund, Olivia Wilde

Duración: 127 minutos

Fecha de Estreno: 25 de diciembre

Calificación: 7.0

Actividad Paranormal 2 (Paranormal Activity 2)

Creo que la mejor manera de comenzar esta reseña es citando a Gordon Gekko (Michael Douglas) en Wall Street, “Greed is good” (la avaricia es buena) y vaya que ha resultado buena la avaricia para Paramount Pictures cuando un filme al que le invirtieron 3 millones de dólares lleva recaudados al día de hoy más de 40 en una semana de exhibición.

La película es exactamente igual a la primera, aunque en esta nueva, con el plus de que la casa “embrujada” en cuestión es propiedad de un dueño de franquicias de Burger king, tiene un sistema de circuito cerrado que permite monitorear a los demonios en multi ángulo, algo que resulta contraproducente ya que le quita la gracia de la anterior, en la que uno de los factores de tensión era que no podias ver lo mas allá de lo que estaba captando la cámara.

El merito de esta película es que engañosamente parece una secuela, cuando es todo lo contrario, los hechos narrados en esta ocurren 60 días antes del final de la primer película y con la misma fórmula narrativa, nos va desgranando la trama para entender el porqué del acoso demoniaco a Katie (Katie Featherston) en la película anterior, vemos nuevamente al mismo demonio (bueno, no lo vemos) que acosa a esta familia y como los eventos van aumentando, pasando de ruidos y sombras, hasta llegar a la parte física y la posesión.

Creo que es una cinta hecha exprofeso para terminar de cosechar lo que sembró la primera, de nuevo “Greed is good” y aunque no es una de esas películas que te arrepientes de entrar a ver, la formula ya no da para más, si te gusto la primera, puedes ver esta para conocer más acerca del porque los demonios acosan a esta familia y para pasar un buen rato, pero créeme, puedes vivir sin verla.

Título original: Paranormal Activity 2

País: EUA

Año: 2010

Director: Tod Williams (Detrás de la puerta)

Actores: Katie Featherson
Duración: 91 minutos
Fecha de Estreno: 22 de octubre



Comer, rezar, amar (Eat, pray, love)

Basada en el best seller de Elizabeth Gilbert con el mismo nombre, la cinta nos relata sus memorias a través de un viaje de auto exploración y reencuentro con ella misma, una vez que decide dejar la vida que tiene y darse cuenta que a pesar de ser aparentemente feliz, en el fondo hay mucho que le falta por hacer y por vivir, siendo sinceros, la premisa es interesante, a quien no le gustaría tomarse un tiempo para desaparecer y reencontrarse con las cosas que nos hacían felices y que realmente disfrutábamos.

Esta es la historia de Elizabeth Gilbert, encarnada en esta cinta por Julia Roberts (La nueva gran estafa, La sonrisa de la Mona Lisa, Closer) que nos ofrece un papel muy en Julia Roberts, es decir, el mismo papel al que nos tiene acostumbrados desde hace 10 años, es curioso ver que la misma frescura que hace 20 años (si, 20 años) nos cautivo en Mujer Bonita (Pretty Woman, 1990) ahora ya no sorprende y de repente va en contra de ella, ya que no checa con la intención que quiere reflejar en pantalla, ni con la intensidad del personaje en ciertas escenas, lamentablemente Julia Roberts se quedo instalada en ese papel.

La cinta no es mala, es notorio que fue un reto para Ryan Murphy (creador de Glee) el contar todo el viaje de Elizabeth y condensarlo para verse en pantalla, tal vez un mejor trabajo en la edición hubiera ayudado ya que la cinta (con dos horas, catorce minutos de duración) se siente lenta por momentos, a mi parecer, Elizabeth tarda demasiado tiempo en “reaccionar”, dejar al esposo, salir corriendo, tener su aventura, etc… pudo ser contada de una manera más dinámica y por ende más entretenida.

Si pudiéramos dividir la película en tres partes funcionaria mejor, ya que cada una es de impecable manufactura, la fotografía impresiona y cada lugar mostrado se siente mágico e interesante (los agentes de viajes la van a adorar), el problema es la unión entre los tres segmentos, de repente se sienten faltos de continuidad, aunque forzándolo un poco se capta la esencia de la cinta y del libro.

Ahora, no quiero que se me mal entienda, no es uno de esos chick flicks cursis y aburridos, de hecho creo que esta mas allá de eso, es una película con una buena intención y una buena historia, su problema es el cómo se conto, creo que eso la hace desmerecer un poco, pero al final resulta en un cinta entretenida a secas, cabe destacar que el productor ejecutivo es nada menos que Brad Pitt, algo tuvo que ver en el guión para arriesgar su dinero en el.

En conclusión, si su pareja le pide que la acompañen a ver Comer, rezar, amar vayan sin miedo, encontrarán una cinta que si bien no ganara el BAFTA, no los dejará con esa sensación de empalagamiento que te queda después de ver una cinta de Meg Ryan.

Título original: Eat Pray Love

País: EUA

Año: 2010

Director: Ryan Murphy (Recortes de mi vida)

Actores: Julia Roberts, Javier Bardem

Duración: 134 minutos

Fecha de Estreno: 24 de septiembre

Los Indestructibles (The Expendables)

Silvester Stallone nos trae un cinta escrita, producida, dirigida y actuada por él, con un elenco de "estrellas de acción" de la época de los 80's y 90's (Jason Statham, Jet Li, Randy Couture, Mickey Rourke, Steve Austin y Dolph Lundgren) además de un cameo de sus socios Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger.

Es la historia de Barney Ross, el líder de un equipo de mercenarios extremos, el trabajo que nadie quiere, ellos lo toman, mientras mas difícil suene la misión, más divertido para ellos.

The expendables (con la pésima traducción de Los Indestructibles) son contratados por la CIA para asesinar a un dictador sudamericano (sin ninguna alusión a nadie) que sube al poder mediante un golpe de estado financiado por narcotraficantes.

En una inspección de reconocimiento de la isla Ross (Stallone) conoce a la hija del dictador y es donde comienzan los problemas, él ve en ella una manera de reivindicarse, de darle un sentido a la vida inútil y desechable (expendable) que ha llevado y por primera vez en su vida pelear por algo que valga la pena o en el peor de los casos morir por una causa y no solo por dinero.

Ok, obviamente The Expendables no es una cinta para ganar el Oscar... Pero no intenta serlo, es el cliché, del cliché, del cliché, del cine de acción, con guiños a todas las películas de todos los involucrados, es un derroche de testosterona en el que gana el que más balas y mas granadas tenga en la bolsa y el que más golpes aguante sin quejarse.

Es una película entretenida, no pretende ser nada más, si la van a ver, ya saben a lo que van, no esperen guion, no esperen actuaciones, no esperen ni siquiera que lo que ven en pantalla tenga sentido, pongan el cerebro en neutral y vean a los héroes de acción de los 80's en esta ¿ultima? cabalgata.

Mi villano favorito

Ok, empecemos por decir que Universal Pictures no es Pixar, pero ni falta que le hace, con la única intención de entretener nos entrega una muy buena película, con una trama menos elaborada que Toy Story 3, nos cuenta la historia de Gru, un súper villano con una súper obsesión: robarse la luna para ser el villano más grande de todos los tiempos.

El camino se le complica cuando entran en su vida tres huérfanas que ven en el algo que nadie mas puede ver, un potencial papá. Con el paso de los días, Gru comienza a abrirse con las pequeñas, al grado de poner el peligro la realización de su objetivo, al final con el apoyo de las pequeñas y de su "ejercito" Gru nos da una lección de amor y compromiso.

Se merece una mención aparte el trabajo de doblaje de Andrés Bustamante, que aunque instalado en sus personajes, la entonación e intención que le da a la voz, refuerza al personaje y logra comunicar sus emociones.

A través de situaciones divertidas, la película logra su cometido, divertir y hacer pasar a los espectadores un buen rato.