X-Men: Primera Generación (First Class)

Cuando escuche que estaba en producción la cinta X-Men: Primera Generación, no pude menos que pensar: “Ya dejen en paz a los X-Men”, después del fiasco que resulto X-Men Orígenes: Wolverine, estaba seguro de que una cinta más sobre los mutantes enterraría de manera definitiva la saga, sobre todo por la manera en la que se habían manejado las últimas dos cintas, ya no había trama, eran cintas para mostrar pleitos entre mutantes aprovechando las bondades de los efectos especiales y nada más.

Con esto en mente fui a ver la cinta X-Men: Primera Generación, la cual, tengo que decirlo, me sorprendió gratamente, fue un acierto la elección como director de Mathew Vaughn (Kick Ass, 2010) quien le dio a la cinta un enfoque totalmente diferente, si nos está contando el origen de los dos mutantes más importantes del universo Marvel: Magneto y Xavier, pero también nos está mostrando algo mucho más importante, que traen por dentro este par, se enfoca en la personalidad de cada uno y en el conflicto que les causa que tarde o temprano ambos saben que su camino tendrá que ir por caminos diferentes.

Da gusto encontrar una cinta, que aunque es la quinta entrega de una serie, se encuentra renovada, pudo darle vuelta a la página y convertirse realmente en un nuevo inicio para la serie, hay un buen guión atrás de ella, el casting es excelente, no es la mejor cinta que ha hecho Marvel (para mi sigue siendo Thor), pero si la ubicaría entre las primeras tres.

Ahora, vamos con lo importante, de que va la cinta? La cinta (ambientada en la época de la guerra fría) comienza con Charles Xavier y Erick Lehnsherr (el Profesor X y Magneto, respectivamente) en su infancia, Charles (James McAvoy) como un niño de buena posición que desde muy pequeño se da cuenta de que es especial y sobre todo, de que hay más como él, adoptando a mutantes en desgracia (comenzando con Mystique, a la que toma como su protegida) y por el otro lado, Erick (Michael Fassbender) un niño prisionero dentro de un campo de concentración nazi en la segunda guerra mundial, recreando el episodio en el que dobla el portón que lo separa de su madre, este episodio es observado por Sebastian Shaw (Kevin Bacon), un científico con métodos de investigación poco ortodoxos que termina por asesinar a la madre de Eric en un intento porque este le muestre sus poderes, hecho que termina por marcar el destino del personaje y yo diría, de todos los personajes de la saga.

De la niñez de ambos personajes, brincamos a su etapa universitaria, en la que Xavier se ha convertido en un profesor (clara referencia al Profesor X) y Eric se encuentra en una cacería personal, tratando de encontrar (para matar) al Dr. Shaw, con una clara referencia a los filmes de James Bond (no lo digo solo yo, lo dijo el propio Mathew Vaughn) se va construyendo una trama de espionaje y contra espionaje, que llevará al encuentro de Xavier y Eric, en un equipo armado por la CIA para impedir que Shaw, aliado con los Rusos, detonen la tercera guerra mundial, apoyados con el incidente de los misiles rusos en Cuba (que a pesar de los errores históricos, se ve creíble gracias la correcta inserción de los mensajes de Kennedy dentro de la trama).

Xavier y Eric comienzan un reclutamiento de mutantes (con un excelente cameo de Hugh Jackman como Wolverine), para poder pelear contra el ejercito de Shaw (quien resulta ser también, un poderoso mutante), formando por tres peligrosos aliados, aquí cabe hacer mención de la solidez como personajes de Eric y Xavier, tienen fondo, no son solo seres con súper poderes, son por mucho dos personajes con un porqué.

A través de una cinta ligera, con situaciones de humor haciendo referencia a situaciones que ocurrirán en un futuro (ubicadas en las cintas que ya vimos) la película se va rápido, entretiene, te deja con ganas de ver de nuevo a los mutantes, nos deja muy en claro por qué los dos mutantes más poderosos, que iniciaron siendo amigos, tomaron caminos tan distintos, creo que dejará muy contentos a los fans de “hueso colorado” del comic y al mismo tiempo cumple con los neófitos, explicándoles quien es quien en el mundo mutante.

En fin, se las recomiendo ampliamente, dentro de todos los churros que se estrenan en el verano (nos faltan muchos por llegar), X-Men: Primera Generación, es una agradable sorpresa y creo que será una de las mejores del verano (insisto, dentro de su contexto).

Hasta la próxima y los veo en el cine…

Título original: X-Men: First Class

País: EUA

Año: 2011

Director: Mathew Vaughn

Actores: James McAvoy, Michael Fassbender, Kevin Bacon

Duración: 132 minutos

Fecha de Estreno: 3 de Junio 2011

Calificación: 8.5

Piratas del Caribe 4: Navegando en Aguas Misteriosas

Piratas del Caribe 4 es todo lo que esperábamos, el regreso de Jack Sparrow, secuencias de acción, peleas con espadas, Penélope Cruz, repito, es todo lo que esperábamos de ella… y es todo lo que trae también.

Rob Marshall (Memorias de una geisha, Nine) toma la estafeta de Gore Verbinski para dirigir a un puño de buenos actores en la cuarta entrega de esta saga, lamentablemente, nadie era capaz de rescatar una cinta que mas que película es un pretexto para volver a ver al capitán Jack Sparrow, aquel genial personaje que se robara “La maldición del Perla Negra” hace 8 años y dejara a los protagonistas Keira Knightley y Orlando Bloom sin saber que les pegó, Johnny Depp tiene un carisma impresionante y cuando se transforma en Sparrow domina la escena, pero ya es demasiado tiempo en este personaje y creo firmemente que ha llegado a su límite, no puede seguir soportando el solo toda la cinta, además de que, de seguir por ese camino, Jack Sparrow está a nada de convertirse en un personaje viejo y sin gracia, si recuerdan en la primer cinta, Sparrow aparece en contadas escenas, mientras más cintas se hacen, tenemos más Sparrow y menos guión.

Al parecer, Disney sigue sin voltear a ver su errores y comete los mismos que en TRON, una cinta impecablemente filmada en la cuestión técnica, pero sin ningún aporte de guion e historia, no trae nada, son solo secuencias de acción pegadas una tras de otra.

En fin, de que va la historia, Jack Sparrow llega a Inglaterra siguiendo un rumor de que el está armando una tripulación para salir en la búsqueda de la fuente de la eterna juventud, al investigar este rumor, se encuentra con Angélica (Penélope Cruz) en el papel que mejor le sale, el de Penélope Cruz, que si me dicen que no es pirata, que es contadora, igual se las creo, lamentable por ella que realmente es buena actriz, recordemos Vicky y Cristina Barcelona, de Woody Allen, ok regresemos, Angélica es un antiguo amor de Jack y antes de que este se de cuenta, se encuentra a bordo del Queen Anne Revenge, el barco de Barba Negra ni más ni menos, aquí continúan las incoherencias, Barba Negra (Ian McShane) resulta ser un pirata cruzado con Voldemort, que controla su barco utilizando su espada como varita mágica ¿?

A partir de aquí la cinta es un pegoste de literatura fantástica sin ningún sentido, lo mismo meten sirenas (con colmillos de vampiro), que zombis, que muñecos vudú, etc. les juro que nada mas faltaron los hombres lobo y los extraterrestres, en un afán de construir una historia en donde ya no hay como.

Lo más lamentable de esto es que el guión de Piratas del Caribe 5 ya se encuentra en pre producción, y si se esperan hasta el final de los créditos, sabrán por donde va más o menos la quinta entrega de esta serie.

En fin, yo no soy nadie para decirles que no vayan a ver una cinta, esa es decisión de ustedes, es uno de los blockbusters del verano y es de esas cintas que ves… para tener de que platicar, pero no esperen nada nuevo, es más, esperen lo mismo de la cinta anterior, con nuevos actores y en otra isla, punto.

Es triste que las casa productoras no le apuesten más a la calidad, que también puede resultar negocio, al dia de hoy “El Cisne Negro” ha recaudado más de 300 millones de dólares, costando solamente 12.

Hasta pronto y los veo en el cine.

Título original: Pirates of the Caribbean: On Strange Tides

País: EUA

Año: 2011

Director: Rob Marshall

Actores: Johnny Depp, Penelope Cruz, Geoffrey Rush, Ian McShane

Duración: 137 minutos

Fecha de Estreno: 20 de Mayo 2011

Calificación: 5.0

El discurso del rey (The king's speech)

Es una cosa curiosa lo que pasa con esta cinta, cuando lees la sinopsis, pudiera parecer una película biográfica más, ambientada en la época de la segunda guerra mundial en Inglaterra y sobre todo pareciera una cinta aburrida.

Pues resulta una agradable sorpresa encontrarse con El discurso del rey, Tom Hooper (The Damned United, 2009) apoyado en una narrativa magistral, logra adentrarnos en una historia por todos conocida, todo lo que se pueda leer en la crítica, esta cinta se lo merece.

Colin Firth (A single Man, 2009) es el Príncipe Alberto, Duque de York, segundo en la línea de sucesión al trono de Inglaterra, conocido por su familia y amigos como  Bertie y conocido también por un gran defecto, es tartamudo, lo que le impide dirigirse a las grandes audiencias y le da una apariencia de hombre temeroso y débil, el primero en la línea para ser rey, es su hermano el príncipe Edward (Guy Pearce, The hurt locker 2010) que tiene todo, aparentemente, para ser rey, de hecho, con la muerte de su padre, sube al trono y se convierte en Enrique VIII, solo para abdicar tiempo después, ya que se enamora de una norteamericana divorciada y pretende casarse con ella, algo prohibido por la iglesia y la realeza inglesa, al suceder esto, Bertie, el hombre que nadie consideraba para ser rey, se convierte en la opción para Inglaterra.

Bertie cuenta con el apoyo incondicional de su esposa, interpretada de manera excepcional por Helena Bonham Carter (El club de la pelea, 1999), es ella quien lo pone en las manos de Lionel Louge (Geoffrey Rush, Letras Prohibidas 2002), un terapeuta de lenguaje con métodos poco ortodoxos, pero que al parecer puede ser la solución al tartamudeo del incipiente rey, obviamente trabajaran bajo mucha presión, ya que por la inminente entrada de Inglaterra a la segunda guerra mundial, el pueblo espera un discurso de su nuevo rey Jorge VI, que ayude a la unidad inglesa y a dar esperanza ante una Alemania guiada por Hitler que desea el control total de Europa.

Lo verdaderamente bueno de esta cinta es el cómo nos cuenta la historia, apoyada por dos monstruos de la actuación como son Firth y Rush, todas sus escenas son memorables, es un placer verlos trabajar juntos, la dirección de cámaras es excelente, los close up al príncipe cuando trata de articular palabras que se quedan trabadas en su garganta nos lleva a sentir angustia por el personaje, Firth realmente transmite la frustración de su personaje por no poder decir las cosas de la manera en la que quisiera.

Es una cinta que no necesito de un gran presupuesto, de representar la escena de la coronación o de los bombardeos alemanes, vamos, no siquiera tiene muchas locaciones, pero con un guion excelente, una gran dirección y apoyada por sus actores, realmente logra transportarnos a la Inglaterra de 1930 y a la historia de un hombre que logro encontrar el coraje para vencer sus miedos y dirigir a una nación necesitada de liderazgo y esperanza.

Para cerrar, así como les dije que Natalie Portman es el Oscar a mejor actriz y que Temple de Acero es el Oscar a mejor fotografía, bueno, pues El discurso del rey es el Oscar a mejor película y Colin Firth se hará acreedor a la estatuilla por mejor actor, pueden apostarlo.

Título original: The King's Speech 

País: GBR / AUS / EUA

Año: 2010

Director: Tom Hooper 

Actores: Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bohnam Carter

Duración: 118 minutos

Fecha de Estreno: 18 de febrero

Calificación: 10

El Peleador (The Fighter)

Algo tienen las historias de boxeadores con el cine, la mayoría de las veces salen bien libradas en la crítica y en la taquilla, basta recordar el éxito de Rocky en 1976 (ganadora de 3 Oscares: mejor película, mejor Director y mejor montaje), Toro Salvaje de Martin Scorsese o más recientemente Million Dollar Baby de Clint Eastwood ganadora de 4 estatuillas (mejor director, mejor película, mejor actor y mejor actriz), al parecer la historia mil veces contada del perdedor que encuentra su fuerza interior (de donde quiera que esta venga) y logra sobreponerse a todas las adversidades para triunfar en una vida que lo ha tundido con golpes más dolorosos que los de su profesión, es una formula inagotable.

Pues bien, El Peleador no es la excepción, es una cinta que te muestra con crudeza, como una persona con una carrera exitosa y prometedora puede perderse en el camino y de qué manera puede influir en el entorno familiar, sociológico y cultural en la vida de los que lo rodean.

En el peleador, David O. Russel nos cuenta la historia de Micky “El Irlandés” Ward (Mark Wahlberg, Los Infiltrados), un boxeador de la época de los 80’s (es una historia verídica) con mucho talento y sobre todo, mucho corazón pero que tiene un gran defecto, es entrenado por su medio hermano Dicky Ecklund (Christian Bale, The Dark Nigth), un ex boxeador adicto al crack que, en sus buenos tiempos logro llegar a disputar el campeonato mundial contra Sugar Ray Robinson é incluso logró mandarlo a la lona en una ocasión pero en la actualidad, se la vive drogado, no llega a los entrenamientos y le ocasiona más problemas que beneficios a su medio hermano, como si todo esto no fuera suficiente, Micky tiene que cargar con su madre, que es poco menos que un dolor de muelas, con dos matrimonios, seis hijas y un amor enfermizo por Dicky, Alice Ward (Melissa Leo, 21 Gramos) es aparte de esto, la representante de Micky.

La relación comienza a fracturarse cuando entre su madre y su hermano, hacen pelear a Micky contra un boxeador de una categoría superior con resultados desastrosos, al final de la pelea, un promotor se acerca a Micky y le ofrece una última oportunidad con una condición: no quiere en el staff de Micky a su hermano lo que pone a Mickey en la disyuntiva de aceptar e ir por su sueño o dejar a su hermano que le ha dado todo (o por lo menos así lo cree el), justo en este punto entra en escena Charlene Fleming (Amy Adams, Atrápame si puedes) una bar tender que realmente se enamora de Micky y se cansa de verlo desperdiciar oportunidades a la sombra de su hermano y su madre.

La cinta es muy buena, de una manufactura impecable, pero lo que realmente es admirable en esta cinta, es la actuación de Christian Bale, al igual que en “El Maquinista”, Bale utiliza su cuerpo como parte de la interpretación y pierde más de 20 kilos para lograr esa imagen demacrada y enferma que luce en pantalla, es impresionante como logra hablar igual que el Dick Ecklund original e incluso parecerse físicamente, obviamente su personaje es mucho más complejo que lograr el parecido físico, pero se los digo de una vez, el papel esta tan bien logrado, que el Oscar a mejor actor de reparto ya tiene su nombre escrito en él; también merece una mención el extraordinario trabajo de Melissa Leo como la madre de Micky y Dicky, realmente la llegas a odiar en su papel y logra escenas memorables en la cinta.

Al final, El Peleador en una buena cinta, cargada de fuerza y sentimiento, que logra su propósito final, convencernos de que no importa todo lo malo que nos haya pasado, siempre podremos empezar de nuevo, si se pone el corazón en lo que se hace.

Título original: The Fighter

País: EUA
Año: 2010
Director: David O. Russell
Actores: Mark Wahlberg, Christian Bale, Melissa Leo
Duración: 114 minutos
Fecha de estreno: 11 de febrero 2011
Calificación: 8.5

Temple de Acero (True Grit)



Un Western en estado puro, así podríamos definir lo que nos entregan los hermanos Ethan y Joel Coen, que escriben y dirigen una historia clásica del cine norteamericano de los sesentas (es un remake de una cinta de 1969), que retoman, dándole un enfoque distinto a la original y convirtiéndola en una cinta tan buena, que ha logrado el reconocimiento de la crítica especializada (está nominada a los Globos de Oro, los BAFTA y los Oscares como mejor película) y mejor aun, del publico en la taquilla internacional.

Comencemos por definir el género del western, como una película en la que el personaje principal, regido por su propio código de ética, tiene que hacer lo que tiene que hacer, es decir, si hay que cobrar venganza, la cobra, si hay que matar a alguien, lo mata, siempre con una razón y regido por sus propias convicciones, no hay que confundirnos, un western, no necesariamente tiene que ser de vaqueros, un ejemplo de este género puede ser otra película de los hermanos Coen: Sin lugar para los débiles (No country for old man, 2007), ambientado en la época actual y acerca de un Sheriff de los Estados Unidos que ha llegado a la tercera edad y al que los nuevos tiempos lo han rebasado.

En esta versión de Temple de Acero, los hermanos Coen nos presentan la historia de la pequeña Mattie Ross (Hailee Steinfeld, un gran descubrimiento de los hermanos Coen), una niña de 14 años que está empeñada en encontrar al asesino de su padre, y nos deja muy en  claro sus intenciones, no quiere que lo maten, quiere que lo juzguen para que eventualmente lo cuelguen, pero quiere que sepa que lo están ejecutando por el asesinato de su padre.

Para llevar a cabo esta tarea, contrata a Rooster Cogburn (Jeff Bridges), un Marshall al servicio de los Estado Unidos que se contrata como caza recompensas, es un borracho y esta viejo, pero tiene el reconocimiento de la gente como uno de los mejores en su oficio, rudo y de gatillo fácil, es el mejor hombre que Mattie puede contratar y además acepta llevarla con él para comprobar que cumplirá con su trabajo.

En el camino se encuentran con LaBouef, un soberbio ranger de Texas magistralmente interpretado por Matt Damon, que ha venido siguiendo desde Texas a Tom Chaney (Josh Brolin), que aparte de haber asesinado al padre de Mattie, es perseguido por asesinar a un senador, esto complica los planes de Mattie, ya que no quiere que Chaney sea ejecutado por otro crimen que no sea el de su padre.

Esta no es una de esas películas en las que los personajes tendrán una epifanía en la que se arrepentirán de la vida que han llevado y adoptarán a la niña huérfana para irse a vivir todos a una granja a cultivar maíz hasta que sean viejos, no señor, los hermanos Coen nos traen una cinta real, con personajes de carne y hueso, una cinta que da gusto ver, una cinta como se hacían antes, sin efectos especiales y secuencias en 3D, con un  gran guión y con actores de verdad, una fotografía que seguramente se llevara el Oscar en ese apartado, Temple de Acero es, por decir lo menos, un verdadero trabajo artístico.

Título original: True Grit
País: EUA
Año: 2010
Directores: Ethan y Joel Coen
Actores: Jeff Bridges, Matt Damon
Duración:110 min
Fecha de Estreno:4 de febrero 2011
Calificación: 9.0 

El Cisne Negro (Black Swan)

Hasta donde es capaz el ser humano de llegar, por seguir haciendo lo que da sentido a su vida?

Darren Aronofsky se lo ha preguntado varias veces, la anterior, en la cinta El Luchador (The Wrestler, 2008) contándonos la historia del otrora ídolo del ring Randy “The Ram” Robinson (Mickey Rourke; Los Indestructibles, Iron Man 2), en la que nos muestra el patio trasero del mundo de la lucha libre norteamericana y la vida después de la fama y la fortuna, en ella, Randy prefiere vivir con la posibilidad de morir en el ring, que alejarse de lo que da sentido a su vida.

En El Cisne Negro, Aronofsky explota otra cara de la misma pregunta, ¿hasta dónde eres capaz de llegar por convertirte en lo que has soñado toda tu vida?, nos cuenta la historia de Nina Sayers (Natalie Portman; V de Venganza, Closer) una frágil integrante del cuerpo de ballet de Nueva York, que ante la salida de Beth, la estrella principal (una neurótica Winona Rider), tiene la oportunidad que ha esperado toda su vida, convertirse en la bailarina principal de la compañía, para ser lanzada en una nueva interpretación de el lago de los cisnes de Tchaikovski en el papel de Odette, esto podría ser una especie de cuento de hadas para cualquiera, pero uno de los aciertos de Aronofsky es mostrarnos que el mundo del ballet profesional puede ser mucho más rudo y cruel que el de la lucha libre.

Es aquí que Nina se encuentra con el drama que le da sentido a la cinta, ella es perfecta para encarnar a Odette, el cisne blanco, con su inocencia y fragilidad sin mancha, pero podrá transformarse en su alter ego, el cisne negro, sensual, seductor y cruel para poder convencer a la audiencia, ¿cómo lograr transmitir esos sentimientos si ella misma no los ha experimentado?
De la mano de Thomas Leroy (Vincent Cassel, Pacto con lobos) el director del ballet de Nueva York, Nina comienza a explorar su lado obscuro, pero también comienza a sentir en carne propia la envidia y la traición de sus “compañeras” en el cuerpo de baile, entre ellas Lily (Mila Kunis), con la que protagoniza una escena lésbica que eleva la temperatura en la sala, aunque gracias al hábil manejo narrativo de Aronofsky nunca sabes si todo lo que sucede entre ellas es real o solo es parte la esquizofrénica mente de Nina.

Es así que El Cisne Negro se convierte en un thriller psicológico – erótico, que literalmente arrolla al espectador con un tanque emocional que explora lo más profundo de la conciencia del ser humano, sus deseos, sus miedos, sus traumas, apoyado en una actuación de Natalie Portman que se convertirá en objeto de culto por la intensidad de la misma y el nivel de madurez que muestra (por cierto, el Oscar ya tiene grabado su nombre).

Para cerrar, si hay una mejor cinta que El Cine Negro compitiendo por el Oscar de este año, yo todavía no la he visto, vayan a verla y me cuentan, yo me quedo con el comentario de Peter Travers “No van a saber ni que les pegó”

Título original: Black Swan
País: EUA
Año: 2010
Director: Darren Aronofsky
Actores: Natalie Portman, Mila Kunis
Duración: 108 minutos
Fecha de Estreno: 28 de enero
Calificacion: 9.5



Somewhere (En un rincón del corazón)

La película comienza con una secuencia en cámara fija en la que se observa un Ferrari color negro dar vueltas alrededor de un ovalo de arena en medio de la nada, después de algunas vueltas, el Ferrari se detiene y de su interior sale un hombre de mediana edad, que parece preguntarse: ¿En dónde estoy? y sobre todo ¿Quién soy?

El hombre en cuestión es Johnny Marco (Stephen Dorff, Enemigos públicos 2009), un exitoso actor de Hollywood, en plenitud de su fama, con una vida llena de lujo, diversión, vanidad, asediado por mujeres día y noche, una vida aparentemente de ensueño.

Pero paralelo a esto vemos a un Johnny Marco con una vida vacía, siente que no pertenece a ningún lugar (tal vez por esto el titulo de la película), que a pesar de las muchas mujeres que pasan por su dormitorio no tiene una compañera de vida y está realmente solo, esta situación se agudiza en el momento que es obligado a cuidar unos días de su hija Cleo (Elle Fanning, hermana de Dakota), al convivir con ella se da cuenta del tiempo que ha perdido por no estar a su lado.

Bajo esta premisa Sofía Coppola nos entrega una cinta intima, en la que repite muchas secuencias de Perdidos en Tokio (Lost in translation, 2003), las conversaciones en la cama, la diferencia de edades y sobre todo, la visión nostálgica de la directora, a través de secuencias largas y de cámara fija, nos muestra la monotonía y el vacio en la vida del actor y las consecuencias en su hija, es una cinta que de nuevo explora los lazos rotos en las relaciones interpersonales, cosa que Sofía sabe hacer muy bien, es una cinta con muy pocos diálogos, con un manejo extraño, en el que factores que parecen determinantes no llegan a nada y pequeños detalles se convierten en el centro de la película.

La música de la cinta es excelente, con una combinación entre música instrumental y una selección contemporánea, va de la mano con lo que se ve en pantalla, completando el rompecabezas para mostrarnos una historia sencilla, pero con un fondo muy complejo.

Al final, Somewhere se convierte en una cinta que no es tan fácil de entender a la primera, Sofía Coppola desafía al público actual al proponer un ritmo muy lento, de secuencias fijas, para contar una historia intima, que se siente por momentos autobiográfica, pareciera que cuando Cleo está buscando a su padre, es la misma Sofía la que trata de encontrarlo a través de esta cinta, creo que ahí radica su valor.

Título original: Somewhere (En un rincón del corazón)

País: EUA

Año: 2010

Director: Sofia Coppola (Lost in translation, 2003)

Actores: Stephen Dorff, Elle Fanning

Duración: 97 minutos

Fecha de Estreno: 14 de Enero

Calificación: 8.5



Más allá de la vida (Hereafter)

Lo primero que hay que aclarar sobre Más allá de la vida, es que su titulo en español no le ayuda mucho, hace creer al espectador que la cinta es acerca de espíritus y fantasmas cuando no hay nada más alejado de la verdad, el termino hereafter (título original de la cinta) se utiliza en ingles como “de aquí en adelante” el cual nos remite mucho mejor a lo que sucede en la cinta.

Más allá de la vida, comienza mostrándonos tres historias simultaneas, empezamos con la historia de Marie LeLay (Cécile de France, Gardiens de l’ordre 2010), una reportera en el pináculo de su carrera, que al encontrarse de vacaciones en Indonesia, tiene una experiencia al borde de la muerte al ser arrastrada por un Tsunami y estar a punto de morir ahogada, este hecho cambia por completo su vida y la lleva a escribir un libro relatando su experiencia.

La segunda historia es la de George Lonegan (Matt Damon, True Grit 2010, Invictus 2009) un obrero de la construcción que reside en San Francisco, que ha decidido darle la espalda a su “habilidad” de poder hablar con los muertos, en sus propias palabras porque “una vida tan relacionada con la muerte, no es vida” esto, muy a pesar de su hermano, que ve en George una mina de oro que no ha sido explotada.

Por último nos queda la historia de Marcus (Frankie McLaren), un niño londinense de 12 años de edad, que vive junto con su hermano gemelo Jason y su madre, una adicta al alcohol y las drogas que en varias ocasiones ha estado a punto de perder la custodia de los niños ante el departamento de seguridad social de Londres, un evento inesperado cambia la vida de Marcus y lo deja con muchas preguntas y nadie que pueda responderlas.

De aquí en adelante las historias se entretejen en una narrativa que se nota le cuesta un poco de trabajo a Clint Eastwood (Invictus 2009, Gran Torino 2008), acostumbrado al cine violento y dinámico (narrativamente hablando), este tipo de cinta, que requiere una mayor introspección del personaje y sus relaciones interpersonales, le cuesta un poco más de trabajo, es un hecho que no es el mejor trabajo del Sr. Eastwood, pero no es malo, en momentos el ritmo es lento y pudiera sentirse como una película pesada, pero la carga emocional de lo que estamos viendo en pantalla lo compensa, el guion de Peter Morgan (Frost / Nixon 2008, La Reina 2006) es una aproximación inteligente a la vida después de la muerte, sin cursilerías y sin historias baratas a lo “Cañitas” explora junto con el director la pregunta que todo el mundo se ha hecho alguna vez en su vida, ¿Qué hay más allá?

Lamentablemente no es una cinta fácil de digerir, vi a mucha gente salirse de la sala, tal vez esperando ver una película de fantasmas o algo que los “espantara” y encontrando una película con más diálogos que efectos especiales y con más nudos en la trama que escenas de grito fácil, si uno presta atención a la cinta puede darse cuenta que, así como se ve de rudo y frío, Clint Eastwood tiene una profunda sensibilidad para tocar temas de introspección y sobre todo, le tiene mucho respeto a la muerte.

Título original: Hereafter

País: EUA

Año: 2010

Director: Clint Eastwood (Invictus 2009, Gran Torino 2008)

Actores: Matt Damon, Cécile de France, Jay Mohr

Duración: 129 minutos

Fecha de Estreno: 6 de Enero

Calificación: 8.0

Tron: Legacy (El legado)

Visualmente impresionante, con un diseño de arte sorprendente y un excelente manejo de la tecnología CGI (Computer Generated Image), que ha llegado a una madurez que podría poner a temblar a los actores, TRON: Legacy es… como decirlo? El protector de pantalla más impresionante que se haya hecho en la historia de las computadoras.

Es la secuela de una película filmada en 1982 por Walt Disney Studios, acerca de un exitoso programador Kevin Flynn (Jeff Bridges, Crazy Heart y próximamente True Grit), que al entrar en su propio programa, en una especie de mundo paralelo (recordemos The Matrix) es traicionado por su creación, un programa llamado C.L.U. que toma el control de este mundo cibernético y encierra a Flynn dentro de su propia creación.

20 años después (en la cinta, realmente son 28) el socio de Flynn, Alan Bradley (Bruce Boxleitner, el Tron de la película original) visita a Sam Flynn (Garret Hedlund, Troy) para decirle que recibió un mensaje de su padre, de un numero desconectado hace 20 años, la curiosidad lleva al joven Flynn a investigar y descubrir el laboratorio secreto de su padre y por supuesto, a entrar en la red, el universo cibernético creado por su padre.

A partir de aquí, todo es obvio y gratuito, Flynn Jr. luchando hombro con hombro con Flynn Sr. van en contra del alter ego C.LU. para restaurar el orden en el universo paralelo, la chica (Olivia Wilde, mejor conocida como la Dra. Remy de la serie Dr. House) que esconde el secreto por el que Flynn Sr. tanto ha luchado y la carrera contra reloj para poder salir de la red.

Secuencias de acción y luz van y vienen, pero al parecer Disney no mira hacia atrás para aprender de sus propios errores, la versión de 1982 fue atacada por la critica por ser un espectáculo visual muy avanzado, con un contenido muy pobre, 28 años después, lo volvieron a hacer, una historia básica (por decirlo amablemente) con tremendos huecos en su desarrollo y construida por frases trilladas, en pocas palabras, no tiene nada.

Aunque no todo es malo en TRON: Legacy, la dirección de Joseph Kosinski logró crear un ambiente virtual impresionante, las ciudades, las motocicletas de luz, las naves, todo es impresionante, su diseño te remite a un futuro creado por la inteligencia artificial, el trabajo del francés Daft Punk en la musicalización de la cinta es impecable, en cada secuencia la música va de la mano con lo mostrado en pantalla, lamentablemente no le alcanza para mantener el ritmo de la cinta.

Tal vez sea por esto que en taquilla a Tron no le ha ido nada bien, a pesar de llevarles una semana de ventaja, va por debajo de “Los pequeños Fockers” y todavía más sorprendente, de “True Grit” un filme independiente de los hermanos Cohen protagonizado por el mismo Jeff Bridges, ni hablamos de la taquilla mundial, donde ha caído hasta el sexto puesto, humillante para una película considerada blockbuster.

En fin, TRON: Legacy es una película palomera, sin historia, sin guión, eso sí con efectos especiales impresionantes y un soundtrack envidiable, pero que al salir del cine no les durará más de 2 horas en la memoria.

Título original: TRON: Legacy

País: EUA

Año: 2010

Director: Joseph Kosinski (Ópera prima)

Actores: Jeff Bridges, Garrett Hedlund, Olivia Wilde

Duración: 127 minutos

Fecha de Estreno: 25 de diciembre

Calificación: 7.0

Red Social (The Social Network)

En una sociedad en la que cada vez se está más solo, quién no quisiera tener 500 millones de amigos?

Red Social es la historia de cómo se gestó uno de los fenómenos online más impresionantes de los últimos tiempos, con más de 500 millones de usuarios, Facebook es la compañía de internet con el crecimiento más importante de la década, valuada en miles de millones de dólares y con oficinas en más de 20 países.

Ahora, todo esto ya lo sabemos, a menos que se viva en una cueva, todo el mundo por lo menos ha escuchado hablar de Facebook, hay quien incluso tiene varias cuentas, en fin, hablar de Facebook no es nada nuevo, entonces….

Qué hace a Red Social una de las mejores películas del año?

Ok, dirigida por David Fincher (Seven, Zodiaco, El Club de la Pelea), Red Social nos muestra mucho más que la creación de Facebook y la disputa legal por los derechos de autor del sitio, es una mirada profunda en el corazón de la sociedad actual, el cómo nos hemos convertido en una sociedad narcisista, preocupada por la popularidad y la aceptación de los demás hacia nosotros, cómo la tecnología le ha ido ganando la batalla a las relaciones humanas y cómo alguien puede, en su afán por ser aceptado, traicionar la confianza de las pocas personas que tiene a su lado.

La narrativa de Fincher es asombrosa, dinámica e inteligente, en los primeros diez minutos de la cinta es posible darnos cuenta qué clase de persona es Mark Zuckerberg (CEO de Facebook, interpretado por Jesse Eisenberg, en el papel de su carrera) un brillante alumno de Harvard, que se sabe más inteligente y descalifica a los demás por no estar a su altura, sólo necesitó de una frase para hacerse odiar por la audiencia: “Por favor, no tienes que prepararte para un examen, estudias en Boston University” obviamente, después de escuchar esto, su novia Erica Allbright (Rooney Mara) termina con él, en sus propias palabras “no por nerd, por imbécil”.

Este hecho y su necesidad por ser aceptado en un final club de Harvard, lleva a Zuckerberg y a su único amigo Eduardo Saverin (Andrew Garfield, el nuevo Peter Parker) a crear The Facebook, obviamente Eduardo desconoce que la idea original no es de Zuckerberg, sino de un par de alumnos de Harvard que le pidieron ayuda para crear The Harvard Connection.

Lo demás transita entre demandas y flashbacks tanto de Zuckerberg como de los demandantes, es interesante ver a Fincher utilizar el efecto Rashomon (Rashomon es una película de 1950 dirigida por Akira Kurosawa en la que la misma historia se cuenta desde el punto de vista de todos los involucrados) de una manera magistral, desmenuza cada personaje y así el público puede entender el lugar de cada uno en la historia.

Mención aparte merece el trabajo de Justin Timberlake como Sean Parker, el creador de Napster y la persona que catapulta a Facebook al mundo entero, con una frase que marca la película: “Un millón de dólares no es cool, sabes que es cool? Mil millones de dólares”

En fin, lo repito, Red Social es una de las mejores películas del año, seguramente estará nominada a mejor película, Fincher como mejor director, Aaron Sorkin al mejor guión, pero independientemente de que llegue a hacerse de esas estatuillas, el verdadero logro de la cinta es cuestionar a la sociedad actual, exponerla y hacerla reflexionar.

Título original: The Social Network

País: EUA

Año: 2010

Director: David Fincher

Actores: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield y Justin Timberlake

Duración: 120 minutos

Fecha de Estreno: 9 de Diciembre

Sepultado (Buried)

No sé si fue por el hecho de estar en una sala vacía cuando vi Sepultado (Buried) o porque realmente esta buena, pero la verdad es que la película me gusto.

¿De qué va Sepultado? Es una historia lineal, en tiempo real que nos muestra 90 minutos en la vida de Paul Conroy (Ryan Reynolds, La Propuesta, Green Lantern) que la verdad de las cosas, esta más salado que Remi, Paul trabaja para una empresa de trasportes en Irak, no es soldado ni mucho menos, pero es tomado como rehén por un grupo subversivo en el país, que le da un mensaje muy claro, tiene 90 minutos para conseguir 5 millones de dólares o se muere enterrado vivo.

Imagínense la sensación de despertar de repente, no saber en donde estas y darte cuenta que estas enterrado vivo, en un cajón de madera, solo con un celular (buen product placement de Blackberry que tiene señal incluso bajo tierra), una botella de agua, un encendedor y un lápiz, tratar de comunicarte con alguien y recibir del otro lado el tono de ocupado, en espera o la grabadora de la empresa a la que llamas.

Era muy complicado para Rodrigo Cortés como director, el mantener la tensión durante 90 minutos, apoyado por tan pocos elementos, pero a pesar de lo inverosímil de la trama, junto con Ryan Reynolds logran que al pasar los primeros 10 minutos te encuentres sufriendo junto con Paul por estar enterrado vivo.

La película comienza en completa obscuridad y solo escuchando la respiración entrecortada de alguien, si pueden aguantar 5 minutos sin pensar: Que me metí a ver? Descubrirán una cinta entretenida y con una trama que los atrapa poco a poco y al llegar a los 15 minutos finales darse cuenta que valió la pena.

Por último, les recomiendo Enlace Mortal (Phone Booth, 2003) dirigida por Joel Schumaher y protagonizada por Collin Farrel y Kieffer Sutherland en la que construyen toda una cinta, con la única locación de una caseta telefónica y nos demuestran que no siempre se requiere del 3D y los efectos especiales para lograr una buena cinta.

Título original: Buried

País: EUA

Año: 2010

Director: Rodrigo Cortés (Concursante)

Actores: Ryan Reynolds, José Luis García Pérez

Duración: 95 minutos

Fecha de Estreno:12 de noviembre

El juego del miedo VII (Saw 3D - VII)

Si tengo que definir Saw 3D, la definiría como: “Una película para los fans de la serie” y nada más, creo que esta es una de esas películas que si se filma o no, da exactamente lo mismo, su único punto a favor es explotar la tecnología 3D, combinándola con esta narrativa casi gore que ha manejado los últimos 6 años.

La cinta nos narra dos historias paralelas, por un lado, la del teniente Hoffman (Costas Mandylor) como el heredero de Jigsaw, continuando con la labor del mismo, ahora aderezado con una venganza personal en contra de Jill (Betsy Rusell) la ex esposa de John/Jigsaw (Tobin Bell), recordemos que en el final de la cinta anterior, esta deja al teniente Hoffman a merced de una de las maquinas de su ex marido.

Por otro lado nos cuenta la historia de Bobby Dagen (Sean Patrick Flanery) un supuesto sobreviviente a los juegos macabros de Jigsaw, que ha tomado notoriedad por publicar un libro con su experiencia y trabajar con grupos de apoyo para sobrevivientes del famoso asesino.

Por último y como punto a favor (de los pocos) tenemos el regreso del Dr. Gordon (Cary Elwes) sobreviviente del primer juego macabro (Saw, 2004) que hace su aparición para cuestionar a Dagen la manera en la que esta lucrando con la experiencia de sobrevivir al trauma de enfrentarse a la muerte.

Lamentablemente la cinta no tiene ni pies ni cabeza, hay un intento de hilo conductor que va cerrando las historias de los personajes, pero se queda a medio camino, el personaje de Jigsaw se ha ido diluyendo a través de 7 películas y para esta no es más que una referencia, su participación en la cinta es mas anecdótica que otra cosa, las situaciones se sienten forzadas, el factor sorpresa de la primera cinta para estos momentos ya se perdió e incluso ya no esperas que las víctimas atrapadas en el juego se salven, esperas el momento en el que sus tripas te “salpiquen” por medio del 3D

Yo sé que me dirán “Y para que la fuiste a ver?”, sinceramente esperaba (como fan de las primeras 2 películas) que cerrara bien la historia, un poco lo que pasa con la saga de Rocky, si te quedas con la Rocky I, Rocky II y Rocky Balboa, es una buena serie, descontando toda la basura que se filmó intermedia (III,IV y V), pero lamentablemente eso no sucede.

Repito, es una cinta para fans de la serie, véanla bajo su propio riesgo, es un boleto caro (el 3D está casi al doble del normal), que no te devuelve en pantalla lo que pagaste por el.

El juego del miedo 7, las trampas cobran vida

(Saw 3D, Canadá-EUA, 2010)

Dirige: Kevin Greutert

Actúan: Tobin Bell, Cary Elwes, Costas Mandylor, Gina Holden

Guión: Markus Dunstan, Patrick Melton

Fotografía: Brian Gedge

Duración: 90 min.

Actividad Paranormal 2 (Paranormal Activity 2)

Creo que la mejor manera de comenzar esta reseña es citando a Gordon Gekko (Michael Douglas) en Wall Street, “Greed is good” (la avaricia es buena) y vaya que ha resultado buena la avaricia para Paramount Pictures cuando un filme al que le invirtieron 3 millones de dólares lleva recaudados al día de hoy más de 40 en una semana de exhibición.

La película es exactamente igual a la primera, aunque en esta nueva, con el plus de que la casa “embrujada” en cuestión es propiedad de un dueño de franquicias de Burger king, tiene un sistema de circuito cerrado que permite monitorear a los demonios en multi ángulo, algo que resulta contraproducente ya que le quita la gracia de la anterior, en la que uno de los factores de tensión era que no podias ver lo mas allá de lo que estaba captando la cámara.

El merito de esta película es que engañosamente parece una secuela, cuando es todo lo contrario, los hechos narrados en esta ocurren 60 días antes del final de la primer película y con la misma fórmula narrativa, nos va desgranando la trama para entender el porqué del acoso demoniaco a Katie (Katie Featherston) en la película anterior, vemos nuevamente al mismo demonio (bueno, no lo vemos) que acosa a esta familia y como los eventos van aumentando, pasando de ruidos y sombras, hasta llegar a la parte física y la posesión.

Creo que es una cinta hecha exprofeso para terminar de cosechar lo que sembró la primera, de nuevo “Greed is good” y aunque no es una de esas películas que te arrepientes de entrar a ver, la formula ya no da para más, si te gusto la primera, puedes ver esta para conocer más acerca del porque los demonios acosan a esta familia y para pasar un buen rato, pero créeme, puedes vivir sin verla.

Título original: Paranormal Activity 2

País: EUA

Año: 2010

Director: Tod Williams (Detrás de la puerta)

Actores: Katie Featherson
Duración: 91 minutos
Fecha de Estreno: 22 de octubre



Comer, rezar, amar (Eat, pray, love)

Basada en el best seller de Elizabeth Gilbert con el mismo nombre, la cinta nos relata sus memorias a través de un viaje de auto exploración y reencuentro con ella misma, una vez que decide dejar la vida que tiene y darse cuenta que a pesar de ser aparentemente feliz, en el fondo hay mucho que le falta por hacer y por vivir, siendo sinceros, la premisa es interesante, a quien no le gustaría tomarse un tiempo para desaparecer y reencontrarse con las cosas que nos hacían felices y que realmente disfrutábamos.

Esta es la historia de Elizabeth Gilbert, encarnada en esta cinta por Julia Roberts (La nueva gran estafa, La sonrisa de la Mona Lisa, Closer) que nos ofrece un papel muy en Julia Roberts, es decir, el mismo papel al que nos tiene acostumbrados desde hace 10 años, es curioso ver que la misma frescura que hace 20 años (si, 20 años) nos cautivo en Mujer Bonita (Pretty Woman, 1990) ahora ya no sorprende y de repente va en contra de ella, ya que no checa con la intención que quiere reflejar en pantalla, ni con la intensidad del personaje en ciertas escenas, lamentablemente Julia Roberts se quedo instalada en ese papel.

La cinta no es mala, es notorio que fue un reto para Ryan Murphy (creador de Glee) el contar todo el viaje de Elizabeth y condensarlo para verse en pantalla, tal vez un mejor trabajo en la edición hubiera ayudado ya que la cinta (con dos horas, catorce minutos de duración) se siente lenta por momentos, a mi parecer, Elizabeth tarda demasiado tiempo en “reaccionar”, dejar al esposo, salir corriendo, tener su aventura, etc… pudo ser contada de una manera más dinámica y por ende más entretenida.

Si pudiéramos dividir la película en tres partes funcionaria mejor, ya que cada una es de impecable manufactura, la fotografía impresiona y cada lugar mostrado se siente mágico e interesante (los agentes de viajes la van a adorar), el problema es la unión entre los tres segmentos, de repente se sienten faltos de continuidad, aunque forzándolo un poco se capta la esencia de la cinta y del libro.

Ahora, no quiero que se me mal entienda, no es uno de esos chick flicks cursis y aburridos, de hecho creo que esta mas allá de eso, es una película con una buena intención y una buena historia, su problema es el cómo se conto, creo que eso la hace desmerecer un poco, pero al final resulta en un cinta entretenida a secas, cabe destacar que el productor ejecutivo es nada menos que Brad Pitt, algo tuvo que ver en el guión para arriesgar su dinero en el.

En conclusión, si su pareja le pide que la acompañen a ver Comer, rezar, amar vayan sin miedo, encontrarán una cinta que si bien no ganara el BAFTA, no los dejará con esa sensación de empalagamiento que te queda después de ver una cinta de Meg Ryan.

Título original: Eat Pray Love

País: EUA

Año: 2010

Director: Ryan Murphy (Recortes de mi vida)

Actores: Julia Roberts, Javier Bardem

Duración: 134 minutos

Fecha de Estreno: 24 de septiembre

El escritor fantasma (The Ghost writer)

Podría empezar esta reseña diciendo: “Roman Polanski lo vuelve a hacer”, con El escritor fantasma, Polanski nos regala un thriller de suspenso de los que casi ya no se ven, mientras que la mayoría de los filmes de este tipo se vuelven predecibles y caen en lugares comunes, la cinta de Polanski va entretejiendo una compleja historia de relaciones entre los personajes, dejando que el espectador formule teorías que, al avanzar la película tiene que ir descartando, para llegar a un final en el que las vueltas de tuerca lo sorprenden y lo dejan con un muy buen sabor de boca.


Basada en la novela de Robert Harris, que este mismo adaptara junto con Polanski para su realización en cine, la película nos cuenta la historia de un escritor fantasma (nunca mejor utilizado el titulo en español), los cuales son un recurso muy utilizado por personalidades que desean “escribir” un libro, pero no tienen el tiempo o la preparación para hacerlo, así que contratan a un escritor para que haga el trabajo, pero cuyo crédito no aparece en el libro, por ello el nombre de fantasmas.

El fantasma en este caso está representado por Ewan McGregor (La Isla, Angeles y demonios ) un escritor joven, al que su agente recomienda para escribir las memorias de Adam Lang, un ex primer ministro ingles, el cual tenía un escritor encargado de ese trabajo, hasta que lo encuentran muerto, flotando en una playa.

El fantasma toma el trabajo y al retomar el manuscrito del escritor anterior, se da cuenta que hay mucho mas detrás de Adam Lang que lo que quiere contar en sus memorias, al convivir con la esposa de Lang y su asistente y al enfrentar Lang una acusación por un tribunal internacional por crímenes de guerra en el conflicto de Irak, el fantasma se encuentra envuelto en una red de intrigas y mentiras de la que le será muy difícil salir con bien.

El trabajo de Pierce Brosnan (James Bond, Mamma Mia!) como Adam Lang, es una de las mejores interpretaciones que ha hecho en su carrera, apoyado por la dirección de Polanski, Brosnan representa a un ex primer ministro, sospechosamente parecido a Tony Blair, con situaciones tomadas de la realidad reciente en la historia del conflicto USA – Irak y el apoyo incondicional prestado por Blair a los norteamericanos, pero la película está lejos de entrar en esa polémica, la construcción de la historia te atrapa y es suficientemente solida, para no necesitar de ella.

En general, es un cinta con una hechura impecable, lleva la historia siempre hacia arriba, con una tensión creciente y situaciones para nada predecibles y comunes, Roman Polanski es uno de los pocos cineastas “de antes” que quedan, no necesita grandes producciones, efectos especiales, ni cámaras 3D para soportar dos horas de película, que créanme, se van como agua.


The Ghost Writer / El Escritor Fantasma (USA, 2010)
Dirige: Roman Polanski
Actúan: Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Olivia Williams, Kim Catrall
Guión: Robert Harris, Roman Polanski
Duración: 128 min.

El Infierno

Creo que esta película no podía haber encontrado mejor momento para salir a la luz, que dentro del marco de los festejos por el bicentenario de la independencia, Luis Estrada nos entrega El Infierno, una película que lejos de contarnos una realidad alterna, tal como lo hace el gobierno en sus ruedas de prensa, más que el valor de denunciar (lo que pasa en el país todo el mundo lo sabe) tiene el valor de retratar un México que existe y del que nos hacemos “de la vista gorda”


A través de la historia de Benny, un personaje básico en su planteamiento, pero excelentemente interpretado por Damián Alcázar, la película nos cuenta la realidad de miles de mexicanos en los estados fronterizos, al regresar a su país 20 años después de irse de mojado, Benny se encuentra con una tierra muy distinta a la que dejó, se encuentra con un estado gobernado por el narcotráfico, con la complicidad de las autoridades locales, un país sumido en la pobreza, en el que la corrupción, como un cáncer ha ido consumiendo lo poco que tenían y en la anecdota que da sentido a la historia, regresa para enterarse de el asesinato de su hermano, miembro de un cartel, por sicarios de la competencia.


Es en esta nueva realidad que se rencuentra con un amigo de la infancia “El Cochiloco” (Joaquín Cosío) que ahora es uno de los principales operadores del cartel que manda en la región, es a través de este que conoce la historia de su hermano y logra dar con su cuñada, con la que comienza una relación que desencadena una serie de eventos por los que el Benny se ve obligado a entrar al cartel a las ordenes del Cochiloco.


Poco a poco Benny se va metiendo en este mundo en el que solo a través de las armas, las alianzas (con la policía municipal, la iglesia, los federales, etc…) y la mentira es posible sobrevivir, en uno de los momentos cumbres Benny le pregunta al Cochiloco “No te da miedo irte al infierno?” a lo que este le responde “El infierno está aquí, en este país, no creo que haya un lugar peor que este…” y lo peor de todo, es que tiene razón.


En un reparto que incluye a grandes actores del cine nacional (María Rojo, Ernesto Gómez Cruz, Daniel Giménez Cacho, etc…) mención aparte merece el trabajo de Joaquín Cosío, en su interpretación del “Cochiloco”, nos entrega un personaje del calibre de Tony Montana (Al Pacino en Scarface), solo que de este lado del rio.


Es triste darse cuenta de que Luis Estrada ni siquiera necesito decir que el país que retrata en su película es México, hay muchísimos guiños para que uno se dé cuenta, desde la cantina del pueblo que se llama “Salón México”, la vulcanizadora “Los cuatro García” o incluso un retrato del presidente Calderón en la oficina de un agente federal y lo más triste de todo es darse cuenta que el mismo gobierno quiere negar lo que está pasando al “censurar” la película mandándola al ghetto de la clasificación “C”, la cinta ni siquiera es tan violenta, no debió pasar de un “B-15”, hay noticieros más violentos y con esto me gustaría cerrar, en la entrevista que Joaquín López Doriga le hace a Luis Estrada, le comenta “Su película es lo más fuerte que he visto”, yo le preguntaría a Joaquín: Que no has visto tu noticiero?






El infierno (México, 2010)


Dirige: Luis Estrada
Actúan: Damián Alcázar, Ernesto Gómez Cruz, María Rojo, Daniel Giménez Cacho, Elizabeth Cervantes
Guión: Luis Estrada, Jaime Sampietro
Fotografía: Damián García
Duración: 145 min.

Los hombres que no amaban a las mujeres (The girl with the dragon tattoo)

Los hombres que no amaban a las mujeres es la adaptación en cine de la novela del mismo nombre, que forma parte de la trilogía Millenium, cabe destacar que la novela es uno de los libros más vendidos en los últimos años, Stieg Larsson es el primer autor en vender más de un millón de copias de su libro, tan solo de manera electrónica.


La película nos cuenta la historia paralela de Mikael Blomkvist y Lisbeth Salander, el primero es un periodista socio de la revista de finanzas "Millenium", que al acusar a un poderoso financiero de estar metido en negocios obscuros, se ve envuelto en una serie de demandas que lo llevan a tomar la decisión de separase de su revista y de su vida como la había llevado.

Mikael recibe una oferta de trabajo por parte de el empresario millonario Henrik Vanger en la que este le pide tratar de resolver la desaparición y posible asesinato de su sobrina Harriet, ocurrido 50 años atrás, Mikael ve esta oferta como una manera de salir de los problemas financieros en los que se metió con las demandas y al mismo tiempo mantener un bajo perfil en lo que se calman las aguas.

Paralelamente nos cuenta la historia de Lisbeth Salander, uno de los personajes mas emblemáticos y complejos que he visto en el cine, es una hacker extraña, introvertida y solitaria, que trabaja en una agencia de investigación, Lisbeth es contratada por Vanger para investigar a Blomkvist, de pronto se encuentra envuelta en la investigación, en la que al lado de Blomkvist se adentrara cada vez más en los secretos de la familia Vanger y del ¿Asesinato? de Harriet Vanger.

Si no han leído el libro, la película les parecerá excelente, el director Niels Arden logra entretejer un complejo nudo de historias que logran que el espectador se adentre en el mundo de la familia Vanger, con un casting excelente, muy buena fotografía, es una película que dará tema de conversación por un buen rato.

Por otra parte si ya leyeron el libro, se darán cuenta que es muy superior a la película, es de un dinamismo asombroso y en una segunda lectura, logra una denuncia acerca de la sociedad sueca y de la situación de la mujer en ella, de manera por demás interesante.

Por último, tiene un paquete muy grande David Fincher, que estará dirigiendo al último James Bond: Daniel Craig (Casino Royale, Quantum of Solace) que será el encargado de personificar a Mikael Blomkvist en la versión Hollywoodense de la cinta a estrenarse en 2011